Желтая картина женщины и мужчины: «Поцелуй» Климта. Почему это шедевр

Содержание

«Поцелуй» Климта. Почему это шедевр

Если вы когда-нибудь слышали о Густаве Климте (1862-1918 гг.), значит вы точно знаете и его работу «Поцелуй».

Что мы видим на картине? Двое влюблённых на цветочном лугу обнялись словно под единым золотым покрывалом. Мужчина целует женщину в щеку. А вокруг никого. И ничего. Лишь золотой фон. А стоят они на краю то ли оврага, если прозаично. Либо вселенной, если уж совсем романтично.

Почему же именно эта картина стала самой знаменитой среди работ Густава Климта? И все ли на ней так однозначно? На самом ли деле эти люди влюблены?

Почему «Поцелуй» именно такой ?

В картине переплетены многие техники. Но больше всего заметно влияние византийской иконы. Когда смотришь на «Поцелуй», сразу вспоминаются иконы в золотых окладах. Когда вся поверхность изображения покрыта золотым «покрывалом». И лишь лики и руки прорисованы красками.

Византийские иконы в окладах были широко распространены в России, где, конечно, Климт не был. Но подобные иконы встречаются в итальянских церквях. Где художник и мог их видеть.

Но в целом “Поцелуй» вписывается в стиль Модерн или Ар-нуво (на французский манер).

Альфонс Му́ха. Грезы. Цветная литография. 1897 г. Частная коллекция

Цветочные орнаменты. Витиеватые линии. Повышенный эротизм. Нарочитая эстетика. Любимый стиль многих женщин.

Именно поэтому у «Поцелуя» больше поклонниц, нежели поклонников. Это самый женственный стиль среди всех направлений в искусстве.

Добровольный ли поцелуй ?

Принято считать, что Климт изобразил влюблённых. Мужчина целует женщину в щеку. И мы понимаем, что это только любовная прелюдия. Ещё чуть-чуть, их одеяния спадут. А дальше… впрочем Климт чаще писал именно это «дальше». Но в этой картине все только начинается.

Но на самом ли деле он изобразил влюблённых? Когда я обратила внимание на позу и жесты героини, у меня возникли сомнения.

Густав Климт. Фрагмент «Поцелуя». 1908 г. Бельведер, Вена

Посмотрите, как необычно ведут себя руки девушки. Ее левая рука придерживает руку мужчины у ее щеки. Как будто делая слабую попытку ее отстранить.

Правая же рука вроде и охватывает мужчину сзади, но пальцы сильно напряжены. Как будто не решаются полноценно прикоснуться к «любимому». У мужчины такой двусмысленности в жестах нет.

Можно было бы списать такую необычную жестикуляцию на личное видение Климта. Может он считал, что именно так женщина выражает свою страсть.

Но если посмотреть на другие его работы, то сразу становится понятным: он прекрасно знал, как обнимает по-настоящему любящая или полностью отдающаяся страсти женщина.

Слева: Эскиз к картине «Поцелуй». 1907-1908 гг. Галерея Альбертина, Вена. Посередине: фрагмент фриза «Древо жизни». 1909 г. Дворец Стокле, Брюссель. Справа: Рисунок «Обнимающаяся стоя пара». 1908 г. Музей истории города Вена.

С ногами героини тоже не все так просто. Она стоит на коленях. По сути в подчиненной позиции. Что уже никак не соответствует статусу влюблённой. К тому же стопы девушки сильно напряжены, а пальцами ног она упирается в край обрыва.

Густав Климт. Поцелуй. Деталь. 1908 г. Бельведер, Вена

Как будто в последней надежде удержаться и не сорваться. Да еще стебли вьюна как-то уж очень напоминают оковы.

Обратите внимание, что на эскизе обрыв тоже присутствует, но влюблённые на равных стоят на ее краю. И нет ощущения, что кто-то из них может сорваться.

Густав Климт. Рисунок «Обнимающаяся стоя пара», эскиз к картине «Поцелуй». 1907-1908 гг. Галерея Альбертина, Вена

Такое ощущение, что Климт на самом деле собирался изобразить влюблённых. Но все же остановился на более неоднозначном варианте отношений.

Он – намного старше ее. Это очевидно по заострённым чертам его лица. Она – в ситуации, когда не может сказать «нет». Либо она отвечает согласием, либо ее ждёт пропасть. Отсюда – напряжение в руках и ногах и подчиненная позиция.

Для начала 20 века – вполне распространённая ситуация. Красивые бессеребреницы быстро подчинялись страсти богатых, не всегда молодых поклонников.

Почему «Поцелуй» такой целомудренный ?

Всем известно, что Климт – это про ню. Очень женственное, сияющее, стильное, но все же ню. Почти на каждой его картине есть обнаженные рыжеволосые или темноволосые красавицы.

Густав Климт. Даная. 1907-1908 гг. Музей Леопольда в Вене

«Поцелуй» среди этих эпатажных работ кажется более, чем целомудренным. Хоть в детскую вешай репродукцию. Почему же?

Климта в начале 20 века обвиняли в чрезмерной откровенности и даже создании порнографии. Особо чопорные товарищи предлагали даже выдворить его из страны.

На что Климт парировал ещё одной откровенной работой «Моим критикам». Где пышнотелая девица повернулась к зрителю своей аппетитной … спиной. Правда потом мастер поменял название на «Золотые рыбки».

Густав Климт. Золотые рыбки. 1901-1902 гг. Швейцарский институт исследования искусства, Цюрих

Но все же критики сильно его донимали. Дошло до того, что с начала 20 века Климт отказался выполнять заказы на монументальные росписи в общественных местах. Предпочитая создавать картины на продажу.

Вполне возможно, что «Поцелуй» был неким отступлением от всепроникающего ню под давлением общественности.

Самое удивительное, что это картина считается главным и самым узнаваемым шедевром Климта. Вот такой парадокс. Столько откровенных, аппетитных прелестей. А самой узнаваемой стала наиболее целомудренная работа мастера.

Впрочем, никакого парадокса. За счёт того, что картина вполне тянет на статус «6+», ее смело вставляли в любой школьный учебник. Если нужно было детям рассказать об искусстве 20 века. А дети вырастали и помнили именно этот шедевр.

Подведем итог. Почему же «Поцелуй» – это шедевр.

«Поцелуй» – квинтэссенция стиля и мастерства Климта. Используемые в картине приемы не новы для художника. Наоборот, они все встречаются в других его работах. «Ковры» из цветов. Золотое одеяние героев.

Слева: Цветущий сад. 1907 г. Фонд Ро для стран третьего мира, Цюрих. Справа: Золотая Адель. 1907 г. Новая галерея в Нью-Йорке

В картине много деталей. Цветы под ногами героев, замысловатый рисунок их одеяний. Но всему этому противопоставлена и лаконичность. Почти однородный золотой фон и одиночество двух фигур.

Это не просто история о двух влюблённых, это картина о чувственном опыте вообще. Наклон головы, распожение рук и плеч превращаются в символ влечения. Если у зрителя есть опыт влюблённости или сильной эмоциональной привязанности, он сразу его вспоминает, когда смотрит на «Поцелуй».

Все вместе – повышенная эстетика, сочетание детализации и лаконичности, а также линии и формы, которые легко вызывают эмоциональный отклик у зрителя – делают «Поцелуй» шедевром.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Похожее

Поцелуй, Густав Климт — описание картины

Поцелуй — Густав Климт. 1907-1908. Холст, масло. 180×180 см

Самая известная работа Густава Климта – картина «Поцелуй», написанная в «золотой» период его творчества. Названия периода связано не только с наивысшим расцветом творчества живописца, но, главным образом, с колористическими особенностями стиля, мастер широко стал использовать в своих работах золотой цвет как собственно краску, так и настоящее сусальное листовое золото.

До этой поры мотив поцелуя уже на раз «мелькал» в творчестве Климта, но в этой работе он достиг своего апогея. Автор трактует поцелуй как некий символ, демонстрирующий единение мужчины и женщины, мужского и женского начала.

Сегодня исследователи считают, что натурщиками для этой всемирно известной картины выступили сам художник и его возлюбленная Эмилия Флёге, с которой вечный холостяк Климт состоял в долгих, сложных отношениях. Именно её имя он произнёс, сражённый инсультом, и это было его последним словом.

Легенда о картине «Поцелуй»

Однако существует и иная история написания, которую можно смело отнести к легенде. Справедливости ради, вспомним и её. Некий граф заказал у художника картину, где бы он был запечатлён со своей возлюбленной в страстном поцелуе. Также он передал Климту медальон с портретом любимой. Художник принялся за работу, и вскоре смог предоставить её на суд графу. Полотно невероятно понравилось графу, но он не удержался от вопроса, почему на картине их уста так и не соединились в поцелуе. Климт парировал – он хотел изобразить атмосферу желания и страсти, которая вот-вот толкнёт любимых в объятья. Картина пришлась по душе и заказчику, и его любимой. Уже в скором времени они уезжали в свадебное путешествие. Некоторые биографы вспоминают, что позже Климт якобы раскрыл секрет этого «недопоцелуя» — работая с медальоном, художник сам влюбился в юную девушку, и незавершённый поцелуй явился маленькой местью, вызванной чувством ревности к удачливому графу.

Неслучайно «Поцелуй» стал самым знаменитым произведением художника, ведь картина сосредоточила все основные знаковые элементы композиции, свойственные почерку мастера. Цветочные луга мы встречаем в пейзажных работах автора, сложный прихотливый орнамент является лейтмотивом подавляющего числа зрелых работ, а позолотой Климт особенно увлёкся в последние годы творчества.

Описание картины Густава Климта «Поцелуй»

На краю скалы, усеянной мелкими цветами, стоят двое влюблённых, купаясь в ареоле своего эротического счастья. Для них мир остановился, съёжившись до размера этого вот цветочного уступа, где они предаются интимному моменту. Золотые одеяния сливают их в единую фигуру, и лишь разность орнаментов позволяет визуально отделить одну фигуру от другой.

Мужчина имеет ярко выраженную главенствующую функцию – он возвышается над возлюбленной, одновременно защищая и доминируя. Коленопреклонённая поза девушки демонстрирует нам подчинённое состояние, хотя и сам мужчина также стоит на коленях.

Несмотря на интимность момента, у зрителя не возникает ощущение подглядывающего – герои ни от кого не прячутся. Их образ характеризуется каким-то неподвластным простым смертным космическим состоянием, где существуют только они, погружённые друг в друга.

Картина была принята публикой с большим воодушевлением, и куплена ещё до окончания первой выставки. Сегодня она находится в Вене, и кроме галереи Бельведер её можно лицезреть…повсюду. Восхитительный «Поцелуй» смотрит на вас с витрин в виде репродукций, оказывается в руках в виде открыток, украшает все сувенирные лавки и печатную продукцию, преследует и завораживает своим магическим великолепием.

Россия также не смогла устоять перед блеском этой работы, и сегодня о климтовском «Поцелуе» напоминают скульптурные композиции в Ораниенбауме и на Елагином острове в Санкт-Петербурге.

18 самых странных картин мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.
Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.

AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. В подборку не вошли картины Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель
Национальная галерея, Осло

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло
Музей изящных искусств, Бостон

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло
Музей королевы Софии, Мадрид

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло
Лондонская национальная галерея, Лондон

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

Портрет, предположительно, Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло
Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчеркивает стесненность фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. «Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея

«Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло
Прадо, Испания

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму ее тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло
Национальная галерея современного искусства, Рим

«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло
Галерея «Бельведер», Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. «Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от «испанки» умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет, спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и не рожденного ребенка.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи ее картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большое расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. «Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получаются грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло
Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятия, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

35 тайн знаменитых картин

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах

Иероним Босх, «Сад земных наслаждений», 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала «песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет».

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая «Джоконда» существует в двух вариантах: обнаженная версия называется «Монна Ванна», ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так — в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два «Завтрака на траве»

Эдуард Мане, «Завтрак на траве», 1863.

Клод Моне, «Завтрак на траве», 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают — ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на «Тайной вечере»

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

«Ночной дозор» или «Дневной»?

Рембрандт, «Ночной дозор», 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия — не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, «Лодка», 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус — это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, «Автопортрет с трубкой», 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника — Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки

Иван Шишкин, «Утро в Сосновом лесу», 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история «Готики»

Грант Вуд, «Американская готика», 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина «Фигура у окна» написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал «порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие». Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года «Сальвадор Дали глазами сестры» она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина «Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия». Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с «Фигурой у окна». Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная

Рембрандт Харменс ван Рейн, «Даная», 1636 — 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Спальня в Арле», 1888 — 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку — средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство

Леонардо да Винчи, «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», 1503 — 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза — совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, — считает эксперт. — Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле

Павел Федотов, «Сватовство майора», 1848.

Публика, впервые увидевшая картину «Сватовство майора», смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена

Фердинан Виктор Эжен Делакруа, «Свобода на баррикадах», 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки — прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат

Казимир Малевич, «Черный супрематический квадрат», 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы

Густав Климт, «Портрет Адели Блох-Бауэр», 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни

Поль Гоген, «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?», 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно «читается» не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине

Питер Брейгель — старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель — старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства

Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина

Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки

Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение — отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды — он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение

Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой… И тут художника осенило — вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка

© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» — это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть — «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть — «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть — «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры

Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк

Эдвард Мунк, «Крик», 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: «Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу». Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея «Крика» родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау — настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис — один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе

Александр Иванов, «Явление Христа народу», 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов «уже давно умер для всего мира, кроме своей работы».

Подагра Микеланджело

Рафаэль Санти, «Афинская школа», 1511.

Создавая знаменитую фреску «Афинская школа», Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти «в роли» Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини

Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини», 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них — ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант

Рембрандт Харменс ван Рейн, «Автопортрет в возрасте 63», 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется «стереослепота» — неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482-1486.

До появления «Рождения Венеры» изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление — аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?

Микеланджело Меризи да Караваджо, «Лютнист», 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор — это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Смотрите также:

900 Картин самых известных русских художников 900 Classic russian paintings

Русская живопись. Русские художники

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Биография — Пикассо Пабло — Музей Арт-Рисунок

: Просмотров: 49212

Пикассо Пабло, французский художник

Пикассо Пабло (Picasso; собственно Руис-и-Пикассо, Ruiz у Picasso) (1881-1973), французский художник. Испанец по происхождению. Учился у своего отца — X. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье (1894-95), Барселоне (с 1895) и Мадриде (1897-98). С 1904 постоянно жил во Франции. Первые значительные произведения Пикассо создал уже в начале 1900-х гг. Картины «голубого периода» (1901-04), написанные в почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов, и «розового периода» (1905-06), в колорите которых преобладают тёплые розово-золотистые оттенки, посвященные теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг) и романтической жизни странствующих комедиантов («Старый нищий с мальчиком», 1903, «Девочка на шаре», 1905, — обе в ГМИИ).
С середины 1900-х гг. Пикассо совершает поворот к резкой, разрушительной деформации реальных форм действительности. Его искусство этих лет откликается на социально-исторические кризисы жизни кризисом всего своего состояния, идеалов, творческого метода. Сознательная деформация натуры («Авиньонские девицы», 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) приводит Пикассо (вместе с Ж. Браком) к созданию кубизма («Дама с веером», 1909, портрет А. Воллара, 1910, — оба в ГМИИ). В середине 10-х гг. творчество Пикассо переживает новый перелом. Наряду с отвлечённо-деструктивными композициями («ассамбляжи»), завершающими период кубизма, он создаёт жизненно- выразительные портреты, антимодернистские по своему строю («О. Хохлова», 1917, Музей Пикассо, Париж). С этого времени в искусстве Пикассо постоянно пересекаются и противоборствуют гуманистическое жизнеутверждающее начало и отвлечённое формотворчество. Он создаёт классически ясные, глубоко человечные образы («Три женщины у источника», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк, «Мать и дитя», 1922, Художественный музей, Балтимор; иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия, офорт, 1931, серия «Мастерская скульптора», входящая в «Сюиту Воллара», офорт, 1933-34), портреты современников, людей из народа (рисунки — «Рыбак», карандаш, 1918; «Отдыхающие крестьяне», перо, 1919). Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20-30-х гг., отмеченные безудержной трансформацией действительности («Танец», 1925, частное собрание), полемической эстетизацией безобразного («Женщина на пляже», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Обе линии — гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая — сталкиваются в серии офортов «Минотавромахия» (30-е гг.), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным, слепо инстинктивным; серия словно проникнута острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир. Со второй половины 30-х гг. творчество Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий. Его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей получает метафорическую окраску, зачастую выражается языком мрачного гротеска, в искажённых, режущих глаз формах («Плачущая женщина», 1937, собрание Пенроз, Лондон). С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция Пикассо. Он становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом (1936-39). Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается Пикассо в серии «Мечты и ложь генерала Франко» (акватинта, 1937), гневным протестом против фашистского террора является панно «Герника» (1937, Прадо).
В годы второй мировой войны 1939-45 Пикассо остаётся в оккупированной немецко-фашистскими войсками Франции и принимает участие в Движении Сопротивления, вступает в ряды Французской коммунистической партии. После войны он находится в первых рядах борцов за мир и демократию. Гуманистические воззрения Пикассо особенно проявляются в таких его работах, как рисунок «Голубь мира» (тушь, 1947), ставший символом движения за мир; панно «Мир» и «Война» (1952, капелла «Храм Мира» в Валлорисе). Со второй половины 40-х гг. в живописных работах он нередко возвращается к античным реминисценциям, часто в гротескной форме интерпретирует картины старых мастеров («Лас Менинас» Д. Веласкеса, «Расстрел» Ф. Гойи), работает как скульптор («Человек с ягнёнком», бронза, 1944, Валлорис), керамист и как график, использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра и др.) и изобразительных средств. В эти годы вновь проявляется характерная для творческого метода Пикассо метафоричность (цикл рисунков «Человеческая комедия», 1953-54), обращение к постоянным, излюбленным темам — цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели. Большое место в его наследии занимают женские портреты.
Творчество Пикассо оказало большое влияние на искусство XX в. Воплотив в себе едва ли не все главные тенденции западноевропейского искусства XX в., оно противоречиво сочетает в себе передовые общественные стремления и глубокие кризисные явления. Пикассо прошёл сложный путь, но в ответственные исторические моменты он осознавал своё место — место борца за прогрессивные идеалы.
В 1950 Пикассо был избран во Всемирный Совет Мира. Международная премия Мира (1950) и Международная Ленинская премия «За укрепление мира между народами» (1962).

Соч. в рус. пер., в кн.: Мастера искусства об искусстве, (т. 5. кн. 1), М., 1968, с. 299-316.
Лит.: Графика Пикассо. [Альбом], М., 1967; Н. А. Дмитриева, Пикассо. М., 1971; ее же, Судьба Пикассо в современном мире, в сб.: Советское искусствознание ’82, в. 2; В. М. Полевой, П. Пикассо, там же; [М. В Зубова], П. Пикассо. Актеры и клоуны. [Альбом], М., 1976; Zervos Ch., P. Picasso. Catalogue gйnйral des oeuvres de 1895 а 1963, v. 1-23, P., 1932-71; A Picasso anthology: documents, criticism, reminiscences, L., 1981; Picasso. 1881-1981…, P., 1982; Cabanne P., El siglo de Picasso, v. 1-2, Madrid, 1982.

Родительская категория: Биография

Категория: Краткая биография

Особенности течения уретритов в зависимости от возбудителя

Бактериальные уретриты. Возбудителями являются: стафилококки, стрептококки, кишечная палочка, гарднерелла и др. Инфекция в мочеиспуска¬тельный канал может попадать при половом контакте, а также вследствие распространения ее из мочеполового тракта при пиелонефритах, простатитах, везикулитах, травме уретры. Выделено более 230 штаммов бактерий, которые при определенной ситуации способны вызнать воспаление слизистой уретры.

Средняя продолжительность инкубационного периода при бактериальных уретритах составляет 12-14 дней (от 2 до 20 дней). Чаще их клиническое течение бывает малосимптомным, вялым. Реже бактериальные уретриты приобретают острое течение.

Уретриты, вызываемые диплококками, сходными с гонококками (псевдогонококками), обычно протекают по типу острого уретрита.

Гарднереллы, как правило, вызывают малосимптомный уретрит, нередко заканчивающийся самоизлечением.

Бактериальные уретриты часто (в 30% и более) закан¬чиваются осложнениями (баланопоститами, эпидидими-тами, простатитами, циститами и др.).

Хламидийные уретриты.

Вызываются облигатными внутриклеточными бактериями, которые являются наиболее частой причиной возникновения уретритов у мужчин. По мнению различных исследователей, в России ежегодно урогенитальным хламидиозом заболевают 1,5 млн человек.

Хламидии проходят внеклеточный и внутриклеточный этапы развития. Зрелой внеклеточной инфекционной формой является элементарное тельце, способное проникать внутриклеточно. Внутриклеточно элементарные тельца превращаются в ретикулярные тельца, способные к росту и делению. Элементарные тельца устойчивы, а ретикулярные тельца восприимчивы к антибиотикотерапии.

Средняя продолжительность инкубационного периода составляет 3-4 недели. Источником инфекции является больной с малосимптомной формой острого или хронического заболевания.

Передача происходит контактным (половым) путем при генитально-генитальных, генитально-анальных и орально-генитальных контактах, а также неполовым — через плаценту, при родах, бытовым путем, вследствие контаминации (из половых органов в глаза руками, при нарушении гигиенических правил).

У мужчин хламидийный уретрит в 70 % случаев протекает как малосимптомное или асимптомное воспаление (со скудными слизистогнойны ми выделениями), которое может продолжаться несколько месяцев. Гораздо реже (в 5 %) уретрит может протекать остро, при этом воспаление мало чем отличается от гонококкового поражения. В 25 % наблюдений хламидийный уретрит может иметь подострое течение, мало чём отличающееся от хронического, разве что более обильными выделениями из мочеиспускательного канала, особенно по утрам. В начальных стадиях заболевания поражается передняя уретра, при хроническом течении воспаление переходит на задний отдел мочеиспускательного канала и становится тотальным. В 30-40 % наблюдений присоединяются симптомы простатита, везикулита, эпидидимита, фуникулита.

Хламидийная инфекция не вызывает стойкого иммунитета, поэтому возможно реинфицирование за счет обмена инфекцией с партнерами. В 2-4% наблюдений на фоне хламидийного уретрита развивается болезнь Рейтера.

Болезнь Рейтера. Характеризуется системным поражением мочеполовых органов, глаз, суставов (по типу асимметричного реактивного артрита), а также поражением кожи, слизистых оболочек и внутренних органов. Развивается как осложнение нелеченного хламидиоза.

Трихомонадный уретрит.

Вызывается влагалищной трихомонадой, относящейся к простейшим, жгутиковым; это — одноклеточный паразит, который размножается путем продольного деления, хорошо растет в анаэробных условиях, вне человеческого организма быстро погибает. Трихомонада, попадая в уретру, фиксируется на клетках плоского эпителия слизистой оболочки и проникает в организм через межклеточные пространства за счет наличия на ее поверхности протеолитических ферментов (гиалуронидазы, амилазы и др.), затем продвигается субэпителиально в соединительную ткань, откуда лимфогенно попадает в мочеполовые органы.

Трихомонада передается половым путем. Передача инфекции бытовым путем происходит редко. Она может сохраняться в моче до 24 часов, в сперме — в течение нескольких часов и выживать во влажном белье. Инкубационный период при трихомонадном уретрите в среднем составляет 5-15 дней. Различают следующие формы трихомониаза: острую, подострую, хроническую, трихомона-доносительство.

При острой форме воспалительный процесс протекает бурно с обильными слизисто-пенистыми в первые сутки и со слизисто-гнойными со вторых суток выделениями из уретры с учащенным и болезненным мочеиспусканием.

При подостром уретрите симптоматика менее выражена, выделения из уретры происходят в небольших количествах, гнойные. Первая порция мочи содержит гнойные хлопья.

При хроническом трихомонадном уретрите на первый план выступают зуд, жжение, ощущение ползанья мурашек в мочеиспускательном канале, учащенное мочеиспускание. Уретральные выделения скудные. Поскольку при хроническом уретрите воспалительный процесс переходит на заднюю уретру, развиваются осложнения в виде простатита, везикулита, эпидидимита, при длительном течении возможно образование стриктур уретры.

Микоплазменные уретриты.

Вызываются бактериями, имеющими пластичную оболочку и содержащими в своем составе ДНК и РНК. Способность микоплазм принимать любую форму позволяет им проникать через бактериальные фильтры.

Заражение микоплазменной инфекцией происходит преимущественно половым путем. Установлено внутриутробное инфицирование плода и при прохождении его через инфицированные родовые пути. Микоплазма прикрепляется к эпителию уретры, может переноситься сперматозоидами; кроме того, она колонизирует крайнюю плоть. Инкубационный период длится от 3 до 5 недель.

Каких-то специфических признаков при микоплазменном уретрите не существует. Как правило, уретрит микоплазменного происхождения протекает хронически. При этом нередко имеются поражения предстательной железы, семенного пузырька, придатка яичка, что приводит к бесплодию. Прикрепляясь к головке сперматозоида, микоплазма может снижать его оплодотворяющую способность. При определенных условиях микоплазменная инфекция способна вызывать воспалительные процессы мочеполовых органов (циститы, пиелонефриты). Урогенитальный микоплазмоз нередко сочетается с поражением кишечника (энтероколитом).

Герпетический уретрит.

Вызывают два серотипа ДНК, содержащих вирусы простого герпеса ВПГ-1 и ВПГ-2. Герпес является одним из самых распространенных инфекций человека.

Заболевание передается преимущественно половым путем от больного генитальным герпесом. Нередко генитальный вирус передается и от носителя герпеса, не имею¬щего симптомов заболевания. Способ заражения вирусом может быть генито-генитальным, орально-генитальным, генитально-анальным. Существует риск неонатального ин¬фицирования новорожденных, которое может происходить и при прохождении родового канала, и в послеродовом периоде при активных герпетических проявлениях у ма¬тери или медицинского персонала.

В условиях начальной инфекции, вызванной вирусом простого герпеса, вирус проникает в клетки восприимчивых поверхностей слизистой оболочки или кожных покровов. Затем он захватывается сенсорными нервными окончаниями и переносится в нервные клетки дорзальных корешков ганглиев, где сохраняется. Инфицирование может протекать латентно, когда вирус присутствует в организме, не вызывая болезни; и вирулентно, когда герпес активируется и вызывает местные поражения. Заболевание в этом случае протекает как хроническое, рецидивирующее, циклическое с локализованными, реже генерализованными проявлениями.

Начальными симптомами герпетического уретрита могут быть жалобы общего характера: лихорадочное состояние, слабость, миалгия, головная боль. Одновременно появляется ощущение чувства жжения в мочеиспускательном канале, усиливающееся во время мочеиспускания, болезненность лимфатических узлов. На головке, коже полового члена, на видимой части (возможно, и на невидимой) слизистой мочеиспускательного канала отмечается типичное развитие герпетических элементов, сопровождающееся чувством жжения, зуда, боли в области гениталий. Вначале появляются пузырьки, которые эрозируются, мокнут, затем подсыхают, образуя корочки, которые по мере эпителизации отпадают. На месте поражения остаются временная гиперемия и пигментация. Из уретры могут появиться светло-желтые выделения.

Клинические проявления первичной инфекции длятся около 3 недель, местные симптомы проявляются на 2— 14-й день. Рецидивная инфекция при наличии антител к вирусу протекает менее выражено. Клиническая картина развивается в течение 8-15 дней. Рецидивированию способствуют стрессовые ситуации, перегревание, переохлаждение, снижение защитных сил организма и др. Герпес, разрушая иммунную систему человека, может стать причиной вторичного иммунодефицита.

Некоторые исследователи отмечают связь генитального герпеса с раком шейки матки и раком предстательной железы.

Кандидозный уретрит.

Вызывается условно-патогенными дрожжеподобными грибами кандида, которых насчитывается более 150 видов. Патогенными для человека являются 7 видов.

Кандидоз половых органов чаще встречается у женщин, реже — у мужчин. Важная роль в патогенезе заболевания принадлежит снижению иммунитета, дисбактериозу, авитаминозу, гормональным нарушениям, диабету, состоянию слизистых кожного покрова! Кандидоматозные поражения нередко сочетаются с другими возбудителями половых инфекций (хламидиями, уреаплазмами, вирусами и др-.).

Инкубационный период при кандидозном уретрите длится от 2 недель до 1 месяца, почти всегда протекает торпидно, реже начинается подостро. Начало заболевания сопровождается парастезиями, зудом, жжением, скудными выделениями (густыми, слизистыми). При этом на слизистой оболочке мочеиспускательного канала появляются диффузные и ограниченные белесовато-серые нале¬ты, под которыми определяется резкая гиперемия. Кандидозный уретрит чаще протекает на фоне леченного простатита, везикулита эпидидимитз, цистита, вызванных другими возбудителями.

Часто при кандидозном уретрите наблюдается поражение головки и крайней плоти полового члена. В таком случае наблюдаются отечность, гиперемия крайней плоти и головки полового члена, с участками беловато-серого налета, при удалении которого образуются поверхностные эрозии и трещины. Рубцевание эрозий и трещин при хроническом течении может приводить к формированию рубцового фимоза.

Наличие различных видоввозбудителей уретрита требует своевременного обращения за квалифицированной медицинской помощью, для проведения всестороннего обследования и назначения грамотного этиотропного лечения. На базе наших медицинских клиник ведется комплексная диагностикаинфекций, передающихся при половом контакте. Оборудование наших центров позволяет в короткие сроки и качественно провести лечение уретрита любой этиологии

Наши специалисты будут рады Вам помочь!

История создания картины символиста Густава Климта «Поцелуй»

Поцелуй, 1907–1908

Австрийский художник Густав Климт известен своими неземными, богатыми узорами портретами. Сегодня некоторые из этих полотен считаются шедеврами, хотя This Kiss , особенно изысканное произведение, кажется, парит над остальными.

Благодаря мерцающим золотым тонам, стилизованным формам и сентиментальной иконографии, The Kiss очаровывает публику с момента своего завершения в 1908 году.Сегодня это впечатляющее произведение находится в уважаемой Österreichische Galerie Belvedere в Вене, хотя его выдающееся наследие выходит за рамки австрийских корней Климта.

Портрет Густава Климта. Фото: Йозеф Антон Трчка [общественное достояние], через Wikimedia Commons

Искусство исторического контекста

Как член сепаратистского движения и пионер символизма — европейского жанра искусства, характеризующегося мистическими мотивами, индивидуальным подходом к изобразительному искусству и эстетикой, сходной с современными движениями ар-нуво и декоративно-прикладного искусства, — Густав Климт часто использовал авангардный подход к живописи.Его отличительный стиль особенно очевиден в The Kiss, , написанном во время его яркого «Золотого периода».

Произведенные в это время работы отличаются выраженными плоскостями и тонкой отделкой из сусального золота. Эта позолота, вдохновленная византийской мозаикой, придает каждому изделию мерцающий вид, подчеркивающий воздушность сюжета и стиля Климта. В дополнение к The Kiss , Portrait of Adele Bloch-Bauer I (1907), Judith and the Head of Holofernes (1901) и Water Serpents I (1904) передают эту мерцающую эстетику.

Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907 год

Юдифь и голова Олоферна, 1901

Водяные змеи I, 1904 г.

Тема сообщения

Поцелуй изображает обнимающуюся пару, стоящую на коленях в траве, усеянной полевыми цветами. Одетый в халат с геометрическим рисунком и с венцом из виноградных лоз на голове, мужчина обнимает женщину, наклоняясь, чтобы поцеловать ее. Женская фигура, чье красочное платье с органичным рисунком контрастирует с одеждой ее партнера, украшает волосы цветами.Когда она обнимает своего партнера за шею, ее глаза мирно закрыты, что подчеркивает спокойствие и интимность сцены.

Поцелуй, 1907–1908

Климт часто исследовал эту тему любви в своих работах. В Древо Жизни , мозаика из его серии Stoclet Frieze , две фигуры, которые имеют поразительное сходство с фигурами из Поцелуй — , как композиционно, так и эстетически — , показаны в аналогичных интимных объятиях.

Древо жизни, Стоклет Фриз, 1909 год

Древо жизни, Стоклет Фриз (фрагмент)

Этот любовный фокус также очевиден в Love , раннем произведении, написанном в 1895 году. Хотя стилистически эта работа имеет мало общего с более известными картинами Климта, ее романтический сюжет передает его интерес к исследованию и захвату любви. «Тот, кто хочет что-то узнать обо мне, — сказал он, — должен внимательно посмотреть на мои фотографии и попытаться узнать, кто я есть и чего хочу.”

Любовь, 1895

Как видно из «Семья », еще одной позолоченной картины Климта, склонность художника к этой иконографии не ограничивается романтической любовью. На этом изображении спящие мать и отец обнимают своего ребенка. Как и The Kiss , сцена предлагает тихий взгляд на интимные отношения.

Семья, 1909

HD обои: женщина в желтом платье рядом с мужчиной в костюме гуляет в лесу картина

HD обои: женщина в желтом платье рядом с мужчиной в костюме гуляет в лесу картина | Обои Flare женщина в желтом платье рядом с мужчиной в костюме гуляет в лесу картина, HD обои Информация об оригинальных обоях: Размер изображения: 1813x1440px Размер файла: 654.17 КБ WallpaperFlare — это открытая платформа, на которой пользователи могут делиться своими любимыми обоями. Загружая эти обои, вы соглашаетесь с нашими Условиями использования и Политикой конфиденциальности. Это изображение предназначено только для использования в качестве обоев для личного рабочего стола. Если вы являетесь автором и обнаружите, что это изображение используется без вашего разрешения, сообщите нам о нарушении закона США «Об авторском праве в цифровую эпоху», пожалуйста, свяжитесь с нами Выберите разрешение и загрузите эти обои

Загрузите эти обои в качестве рабочего стола ПК и ноутбука (включая разрешения 720P, 1080P, 2K, 4K, для обычных ПК и ноутбуков HP, Lenovo, Dell, Asus, Acer):

Загрузите эти обои как рабочий стол iMac:

iMac 21.5-дюймовый дисплей со светодиодной подсветкой:

1920×1080

Загрузите эти обои как рабочий стол MacBook:

MacBook Air 13 дюймов, MacBook Pro 15.4 «:

Полный размер — 1440×900

MacBook Pro 13,3-дюймовый дисплей Retina, MacBook Air 13,3-дюймовый дисплей Retina, MacBook Air 13,3 дюйма (2020, M1):

2560×1600

Скачать эти обои как рабочий стол с двумя мониторами:

Скачать эти обои как рабочий стол на тройном мониторе:

Скачать эти обои как рабочий стол для четырех мониторов:

Загрузите эти обои как рабочий стол iPhone или экран блокировки:

iPhone 2G, iPhone 3G, iPhone 3GS:

320 x 480

iPhone 4, iPhone 4s:

640 x 960

iPhone 5, iPhone 5s, iPhone 5c, iPhone SE:

640×1136

iPhone 6, iPhone 6s, iPhone 7, iPhone 8:

750×1334

iPhone 6 plus, iPhone 6s plus, iPhone 7 plus, iPhone 8 plus:

1242×2208

iPhone X, iPhone Xs, iPhone 11 Pro:

1125×2436

iPhone Xs Max, iPhone 11 Pro Max:

1242×2688

iPhone Xr, iPhone 11:

828×1792

iPhone 12 mini, iPhone 13 mini:

1080×2340

iPhone 12, iPhone 12 Pro, iPhone 13, iPhone 13 Pro:

1170×2532

iPhone 12 Pro Max, iPhone 13 Pro Max:

1284×2778

Загрузите эти обои в качестве рабочего стола телефона Android или экрана блокировки (для обычных телефонов Samsung, Huawei, Xiaomi, Redmi, Oppo, Realme, Oneplus, Vivo, Tecno Android):

Загрузите эти обои как рабочий стол iPad или экран блокировки:

iPad, iPad 2, iPad Mini:

768×1024, 1024×768

iPad 3, iPad 4, iPad Air, iPad Air 2, iPad 2017, iPad Mini 2, iPad Mini 3, iPad Mini 4, 9.7-дюймовый iPad Pro:

2048×1536, 1536×2048

iPad Pro 10,5 дюйма:

2224×1668, 1668×2224

iPad Pro 11 дюймов:

2388×1668, 1668×2388

iPad Pro 12,9 дюйма:

2732×2048, 2048×2732

iPad Air 10,9 дюйма:

2360×1640, 1640×2360

iPad 10,2 дюйма:

2160×1620, 1620×2160

iPad mini, 8,3 дюйма:

2266×1488, 1488×2266

Загрузите эти обои как рабочий стол планшета Surface и Android или экран блокировки:

Жестче Караваджо: женщина, отомстившая маслом | Картина

Две женщины держат мужчину на кровати.Один прижимает ее кулак к его голове, чтобы он не мог поднять ее с матраса, в то время как ее спутник прижимает его туловище к месту. Они хорошо сложены, с мощными руками, но даже в этом случае требуется их объединенная сила, чтобы удержать жертву в неподвижности, когда один из них пронзает себе горло сияющим мечом. Кровь брызжет из темно-красных гейзеров, когда она пила. Она не остановится, пока ему полностью не отрубят голову. Глаза ее жертвы широко открыты. Он точно знает, что с ним происходит.

Умирающий — Олоферн, враг израильтян в Ветхом Завете, а молодая женщина, обезглавившая его, — Юдифь, назначенная им Богом убийца.Но в то же время он также итальянский художник по имени Агостино Тасси, а женщина с мечом — Артемизия Джентилески, написавшая это. По сути, это автопортрет.

Сохранились две большие залитые кровью картины Джентилески с изображением Юдифи и Олоферна, одна в Каподимонте в Неаполе, другая в Уффици во Флоренции. Они почти идентичны, за исключением мелких деталей — в Неаполе платье Джудит синее, а платье — желтого цвета Флоренции — как будто этот образ был кошмаром, который ей постоянно снится, заключительным актом трагедии, бесконечно повторяющейся в ее голове.

Словами и образами она сопротивлялась мужскому насилию, которое доминировало в ее мире.

«Это кольцо, которое вы мне дали, и это ваши обещания!» — кричал Джентилески, когда ее пытали в зале суда в Риме в 1612 году. Ее пальцы были обмотаны веревками и туго натянуты. Судья посоветовал умеренно использовать sibille , как называли эту пытку, потому что ей все-таки было 18. Напротив суда сидел мужчина, изнасиловавший ее. Никому не пришло в голову пытать его.Джентилески вызывающе сказал ему, что ее винты с накатанной головкой были тем обручальным кольцом, которое он обещал. Снова и снова она повторяла, что ее показания об изнасиловании достоверны: «Это правда, это правда, это правда, это правда».

Джентилески была величайшей художницей эпохи барокко и одной из самых ярких последователей зажигательного художника Караваджо, чьи устрашающие картины Юдифи и Олоферна повлияли на нее. Она — одна из звезд фильма «За пределами Караваджо», эпического обзора его соперников и учеников, который готовится открыть в Национальной галерее в Лондоне.Словами и образами она сопротивлялась мужскому насилию, которое царило в мире, в котором она жила.

Джентилески достигла чего-то настолько невероятного, настолько близкого к невозможному, что она заслуживает звания одной из самых известных художников в мире. Дело не только в том, что она стала очень успешным художником в эпоху, когда гильдии и академии закрывали свои двери для женщин. Она также сделала то, что не удалось ни одной из других — редких — женщин эпохи Возрождения и барокко, которые сделали это художниками: она передала мощное личное видение.Ее картины явно автобиографичны. Подобно Фриде Кало, Луизе Буржуа или Трейси Эмин, она вложила всю свою жизнь в искусство.

И какая это была жестоко испорченная жизнь. В бурном художественном мире Рима Караваджо художники были богаты, высокомерны и могли делать почти все, что им заблагорассудится, пока они оставались в хороших книгах папы. Джентилески, должно быть, много раз встречал Караваджо в детстве: возможно, он даже поощрял ее рисовать. Ее отец, Орацио, тоже талантливый художник, был близким другом Караваджо.В 1603 году Орацио и Караваджо вместе предстали перед судом после того, как нацарапали на улицах Рима клевету на какого-то вражеского художника. В своих показаниях Орацио случайно упомянул, что Караваджо пришел к нему домой, чтобы одолжить пару крыльев ангела.

Это прекрасный снимок детства Джентилески: великий Караваджо появляется в поисках реквизита. Она родилась в 1593 году, когда это случилось, ей было 10 лет.Когда ей было 13 лет, в кругу Караваджо случилась катастрофа. Он всегда был на грани опасности — он носил меч и был готов использовать его, — но в 1606 году он убил человека, у которого были друзья при папском дворе. Он сбежал. Орацио и его дочь больше никогда не увидят своего вдохновения.

Быть дочерью художника было единственным способом, которым молодая женщина могла надеяться приобрести сложные навыки, необходимые для профессионального рисования в эпоху барокко. Похоже, у Орацио были амбиции к дочери — в конце концов, он дал ей яркое, классическое имя.По мере того, как ее навыки развивались, он нанял начинающего художника Агостино Тасси, чтобы он давал ей уроки. Затем, в 1612 году, Орацио обвинил Тасси в изнасиловании его дочери, а также в том, что он выманил ее из картины из его мастерской.

Судебный процесс длился семь месяцев и потряс Рим. Это сделало Джентилески знаменитостью — худшим из возможных способов. Удивительно, но каждое слово этого судебного дела сохранилось в стенограмме, которая открывает окно в жизнь художников эпохи Караваджо. Джентилески говорит с нами из этого 400-летнего документа красноречивым, смелым и убедительным голосом.Это редкий пример того, как женщина в досовременную эпоху выступала против угнетения, которое было лишь частью повседневной жизни.

Я дернул его за волосы, сказала она суду, и схватил его член так крепко, что даже удалил кусок плоти

Тасси обманом проник в ее комнату и начал делать нежелательные предложения секса, заявила она. «Затем он бросил меня на край кровати, прижав руку к груди, и поставил колено между моими бедрами, чтобы я не сомкнул их.Подняв мою одежду, он приложил руку с платком ко мне ко рту, чтобы я не закричала ».

Она сопротивлялась. «Я поцарапала его лицо, — сказала она суду, — и дернула его за волосы, и, прежде чем он снова вошел в меня, я так сильно сжала его пенис, что даже удалила кусок плоти». Но она не могла его остановить. После этого она бросилась к ящику и достала нож. «Я хотела бы убить тебя этим ножом, потому что ты опозорил меня», — кричала она. Он расстегнул пальто и сказал: «Вот я.Джентилески метнул нож, но прикрылся. «В противном случае, — сказала она, — я могла бы убить его».

Судебный процесс также включал месяцы беспорядочных допросов свидетелей. Друзья, жильцы, художники и родственники создали картину дома Джентилески. Она изображена подростком, который все время рисовал, редко выходя на улицу. Между тем ее насильник оказался еще худшим персонажем, чем он казался сначала. Несколько свидетелей утверждали, что он убил свою жену — и он не мог предложить хорошей защиты.

И все же Джентилески подвергли пыткам, а Тасси освободили. Почему? Папа защищал его, потому что его искусство — забытое сегодня — было оценено в то время. Все знали, что он злодей. «Тасси — единственный из этих художников, который никогда не разочаровывал меня», — сказал Папа Иннокентий X. Другие художники притворились людьми чести, объяснил он, но подвели его. С безупречным Тасси он знал, где он стоит.

Джентилески, еще будучи подростком, когда суд закончился, был опозорен в культуре, где честь была всем.Тем не менее, это также обеспечило некую чудовищную огласку. К 1620-м годам она была успешным художником, работавшим настолько далеко от Рима, насколько это было возможно. И она мстила единственным оружием, которое у нее было: кистью. Она не могла написать свою историю, потому что, как она показала во время суда, была более или менее неграмотной. Однако она могла нарисовать его и изменить его концовку, как показывают ее картины Юдифи и Олоферна.

Джентилески, однако, раскрывает элемент библейской истории, на которой никогда не останавливался ни один художник-мужчина.На большинстве картин, включая галлюцинаторные изображения Караваджо, у Джудит есть слуга, который ждет, чтобы забрать отрубленную голову. Но Джентилески делает из служанки сильную молодую женщину, которая активно участвует в убийстве. Это делает две вещи. Это добавляет дикого реализма, о котором даже Караваджо никогда не думал — нужны две женщины, чтобы убить этого зверя. Но это также придает сцене революционный подтекст. «Что, — задается вопросом Джентилески, — если бы женщины собрались вместе? Сможем ли мы дать отпор миру, которым правят люди? »

Вооружен кистью… Автопортрет как аллегория живописи Джентилески.На фото: Royal Collection Trust

Beyond Caravaggio продемонстрирует еще одну работу Джентилески, ее картину 1622 года с изображением Сюзанны и старейшин. Здесь она снова использует библейскую историю, чтобы драматизировать, что значит быть женщиной в 17 веке. Двое стариков шпионят за купающейся молодой женщиной, но Джентилески усиливает жуткость, заставляя мужчин подходить прямо и открыто пялиться, в то время как другие художники, как правило, показывают, что они прячутся на расстоянии. Почему она показывает вуайеристов совершенно равнодушными, не пытаясь скрыть свою похоть и вторгаясь в пространство Сюзанны?

Это тревожный эффект, странно напоминающий ее собственное преследование.На суде выяснилось, что у Тасси был сообщник, который тоже жаждал ее. Они оба продолжали торчать, приставать к ней, наблюдать за ней, прямо как вуайеристы, беспокоящие Сюзанну. Травма изнасилования Джентилески и судебный процесс, который не дал ей правосудия, преследуют ее искусство. Тем не менее, ее не сокрушили ее страдания. Напротив, инстинктивная сила ее картин сделала ее одним из самых известных художников в Европе, о ней слышали даже далекие британские дворы. В 1638 году Карл I лично пригласил ее в Лондон, чтобы работать у него.Там Джентилески нарисовал то, что может быть ее самой оригинальной и важной работой. В своем «Автопортрете как аллегории живописи», который будет показан в следующем месяце в Королевской галерее в Букингемском дворце на выставке под названием «Портрет художника», она изображает себя мускулистым, динамичным, сильным персонажем, похожим на женщин, которые держат Олоферна. . Вместо меча она вооружена кистью. За столетия до феминизма Джентилески перемещается в пространстве с необычайной плавностью, создавая свой собственный образ, герой своей собственной жизни.

Amazon.com: Абстрактная печать на холсте Дождливая прогулка Картина Девушка с желтым зонтиком Настенное искусство Произведение современного искусства для офиса Домашний декор: плакаты и принты

Цвет: Желтый зонтик | Размер: 24 x 36 дюймов

【Высокое качество】
➤Этот серый абстрактный принт на холсте является произведением искусства Жикле HD, а не раскрашен вручную.
➤Абстрактная картина разработана нашим оригинальным художником, напечатана с высоким разрешением и яркими цветами на водонепроницаемом холсте, чтобы создать вид и ощущение оригинальной природы и шедевра.
➤Жикле, печать на холсте, настенная живопись, печать эко-сольвентными чернилами, водостойкий и устойчивый к выцветанию холст премиум-класса.

【Профессиональная упаковка】
➤ Холст профессионально натянут на массивную деревянную раму, обрамлен и готов к развешиванию.
➤Каждая панель имеет черный прочный крючок, уже закрепленный на деревянной перекладине для удобного подвешивания.
➤Рама каждой картины покрыта черной фланелевой тканью с обратной стороны, акцентируя внимание на каждой детали, чтобы сделать картину более совершенной.
➤Холст защищен четырьмя рогами, завернутыми в полиэтиленовые пакеты, упакованные в картонные коробки.В картонной коробке есть гвозди для подвешивания.

【Идеальный подарок / украшение】
➤ Холсты разного размера, подходящие в качестве подарка семье или друзьям. На день рождения, свадьбу, годовщину, День Благодарения, Рождество, Новоселье, День матери, День отца, Валентина и другие.
➤Уникальный дизайн привлекает внимание. Отличный выбор для декора стен, такого как гостиная, спальня, комната для гостей, ванная комната, столовая, детская комната, конференц-зал, прихожая, детская, кафе, квартира, гостиница и другое место для дома, офиса, бизнеса и отдыха.

【Покупка без лишних хлопот】
➤ 30-дневная гарантия возврата денег при получении товара. Если вы не на 100% удовлетворены нашим произведением искусства, мы хотели бы вернуть вам деньги или обменять.
➤Если у вас возникнут какие-либо вопросы или вы разочарованы, пожалуйста, дайте нам знать сразу, 100% удовлетворительное послепродажное обслуживание для вас.

【Важные советы】
➤ Различные варианты размеров. 1 дюйм = 2,5 сантиметра.
➤Изображения предназначены только для демонстрации, они не были сняты в реальном выставочном зале и не представляют такой масштаб полиграфического искусства в реальных помещениях.Пожалуйста, измерьте свое пространство перед покупкой

Байя Махеддин нарисовал радикальные образы женщин в 1940-х годах Париж

Одна гуашь на бумаге, названная Femme fond rouge (Женщина на красном фоне) (1940), изображает тщательно одетую женщину в окружении экстравагантного павлина и высокого комнатного растения. Объект почти заполняет композицию, что подчеркивается тем фактом, что Бая изображает глаза как маленькие лица. Таким образом, ее присутствие увеличивается втрое. Она три женщины в одной; или, по крайней мере, одну женщину, многомерную и нагло выразительную.

Глаза занимают центральное место почти во всем творчестве Бая. По словам Боаса и других ученых, таких как алжирская писательница Ассия Джебар, они также являются ключом к пониманию художественных замыслов художника. По их мнению, изображение Бая большого открытого глаза — или «освобожденного глаза», как его описал Джебар — представляет собой переворот мужского взгляда, выдающийся элемент западного фигуративного искусства времен художника.

Для Джебара стилистический (и потенциально концептуальный) выбор также указывает на освобождение от сексизма, присущего мусульманскому обществу, в котором выросла Бая.«У женщины Байи гигантский глаз, который, разинув рот, страстно желает цветов, фруктов, звуков лютни и гитар», — написала она в эссе 1985 года, воспроизведенном в каталоге выставки. «Бая, первая в цепочке изолированных женщин, у которых повязка на глазах внезапно упала на землю, — продолжает она.

Глядя на женщин-героев Байи с большими живыми глазами, легко разделить точку зрения Джебара и Боаса. Большинство работ на выставке Grey Art Gallery датируется 1947 годом, когда Байе было 16 лет, и в том же году были показаны на ее первой персональной презентации в Париже.(Выставка была организована Маэ в своей галерее, и к тому времени Бая уже завоевала поклонников, в том числе Бретон, включивший ее в свою знаменитую «Международную выставку сюрреализма»; и Дюбюффе, который начал собирать ее работы, хотя и объединял их в группы. это в его коллекции среди произведений искусства, созданных детьми и людьми с психическими заболеваниями.)

В Femme robe bleue cheveux rouges (Женщина с рыжими волосами в синем платье) (1947), Бая ярко изображает женщину в объятиях изгиба. узорчатое платье.Более того, она без платка, ее огненно-рыжие волосы распущены и растрепаны. Каждый аспект композиции, переданный волнообразными линиями, источает энергию и свободу — особенно взгляд, с толстым черным контуром, который мощно пронизывает тщательно продуманную композицию.

Женщина в трех стадиях, 1895 Эдвард Мунк

Это большое полотно, иногда называемое Сфинксом, является основной версией темы, которую Мунк часто повторял и модифицировал.Это узнаваемая точка происхождения «Танца жизни», которая, в свою очередь, возникла из многочисленных работы, изображающие противостояние мужчины и женщины. Он также тесно связан с более простой темой расставания или отстранения, записанной в ряде масел и гравюр, из которых он позаимствовал двух основных персонажей — девушку и ее возлюбленный.

Подобно «Три возраста женщины» известного австрийского художника Густава Климта, хронология женственности становится главным символом. содержание в Женщина в трех стадиях .Для сохранения границ изображения и изолирован между двумя стволами дерева. Красное растение такое же, как и в, вероятно, более раннем Ревности, но приобретает дополнительное значение проливания. Живая кровь — мотив полностью развит в Расставание . Для Мунка характерно искать правдоподобия даже в самых фантастических его темах, но такое упорство на правдоподобие не уменьшает силы символов Мунка. Дева белая, в развевающемся платье с распущенными волосами стоит на песчаной полосе между водой и лесом и устремляется к далекому горизонту.Как и в «Танце жизни», центральное место занимает Женщина полностью и чувственная зрелость. Здесь она изображена обнаженной, вызывающе прямолинейной, рыжеволосой и с красными губами, с поднятыми руками и наклоненной головой в наглом кокетстве и блудном контрасте с остальными. Рядом с ней, как тень, темный образ отработанная женщина, воплощение которой — приподнятые плечи, тонкая талия и заостренный рот. Эта последняя из древних женщин ближе всех к мужчине, как по положению, так и в мрачной черной одежде.

Картина повторяет сцену на Аасгаардстранде с ее мощно закрученной береговой линией как объединяющим формальным элементом.

История «Женщины в золоте»: нацистские похитители произведений искусства и возвращение одной картины

На мировой арене в 2009 году прошли конференции, посвященные Вашингтонским принципам и еще одному соглашению, но до сих пор не было механизмов принуждения. Стюарт Э. Эйзенстат, бывший специальный посланник Госдепартамента, который вел переговоры по соглашению 1998 года, неоднократно жаловался, что ожидаемая широкомасштабная реституция так и не произошла из-за сочетания слабого давления со стороны правительства и ряда юридических ограничений.Страны также выделили мало ресурсов для проведения кропотливого исследования происхождения, которое может установить права собственности.

Как показывают последние заголовки, иногда наблюдается прогресс. Ранее в этом месяце дилер вернул его семье автомобиль Эль Греко, захваченный гестапо в 1938 году у венского промышленника. И Художественный музей Берна в Швейцарии, унаследовавший сокровища искусства нацистской эпохи, найденные в мюнхенской квартире Корнелиуса Гурлитта, чей отец был торговцем произведениями искусства нацистской эпохи, продолжает обещать вернуть похищенные работы семьям первоначальных владельцев. .

Но реституция чаще бывает исключением, чем правилом. В отчете, опубликованном в сентябре этого года Конференцией по материальным претензиям евреев к Германии и Всемирной еврейской реституционной организацией, сделан вывод о том, что большинство стран мало что сделали для выполнения международных соглашений. Особого осуждения подверглась Италия, за ней следуют Венгрия, Польша, Аргентина, Испания и Россия. (В отчете, хотя и отмечалось, что Германия добилась определенного прогресса, тем не менее правительство отчитывалось за то, что оно хранит в секрете открытие тайника Гурлитта.)

Немецкая газета Der Spiegel также бросила вызов сменяющим друг друга режимам в 2013 году, когда репортеры сообщили, что правительство Германии, как в одиночку, так и с различными музеями, игнорировало или активно препятствовало реституции в течение десятилетий. Тогда газета назвала это «моральной катастрофой, которая началась в 1950-х годах и продолжается по сей день».

Во Франции было возвращено менее 100 из 2 000 невостребованных произведений награбленного искусства, хранящихся в музеях страны. В 2013 году министр культуры Франции выступил в защиту этой записи, заявив, что это произошло «не из-за отсутствия воли со стороны музеев», а из-за разбросанных записей и гибели многих участников.

Хотя некоторые из специальных комитетов Европы по реституции способствовали возвращению украденного искусства, другие решения были поставлены под сомнение.